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<p data-start="0" data-end="151">23년간 멈춰 있던 건물이 예술로 생동하기 시작했다. 방콕 차이나타운에 자리한 방콕 쿤스트할레의 이야기다. 단순히 재생 건축을 표방하는 공간이라면 새로울 것이 없겠지만, 시간의 잔해와 흔적이 켜켜이 쌓여 하나의 장면을 이룬다는 점에서 이곳은 다소 다른 접근을 취한다.</p>
<p data-start="0" data-end="151">원형은 1935년 설립된 대형 출판사 건물이었다. 한때 태국 교육 출판의 중심으로서 교육부와 협력해 전국에 교재를 유통하던 이곳은 2001년 화재 사고로 대부분 소실된 뒤 오랫동안 방치돼왔다. 건물이 예술의 이름으로 다시 사용되기 시작한 것은 지난 2024년의 일이다.&nbsp;그 시작을 연 이가 미셸 오데르다. 그는 오토바이를 세우던 낡은 샤프트부터 트롱프뢰유 벽화 앞에 이르기까지 건물 곳곳에 모니터를 배치했다. 하지만 연기가 밴 흔적이 역력한 벽과 기둥은 손대지 않은 채 남겨뒀다. 비가 내리면 천장의 균열을 따라 내려온 빗물이 모니터 뒤로 흐르기도 했는데, 화재의 잔해와 빗물, 영상이 뒤섞인 풍경 자체가 작품의 일부를 이뤘다. 입구의 대형 스크린에 방콕 거리의 일상이 투사됐고, 트럭에 짐을 싣는 노동자의 질서정연한 혼돈이 건물 안으로 스며들며 외부와 내부, 도시와 폐허의 경계는 비로소 느슨해졌다.</p>
<p data-start="608" data-end="845">이것이 바로 방콕 쿤스트할레의 방식이다. 초청된 아티스트들이 건물과 주변 지역의 문화적 맥락을 다루는 작품을 제작하고 원하는 전시 공간을 선택하면, 그곳에 작품과 안전을 위한 최소한의 시설만을 맞춤형으로 더한다. 전시가 끝나도 공간을 원상 복구하지 않는다. 각 전시는 건물에 흔적을 남기고, 이는 곧 다음 전시의 토대가 되는 것이다. 화려한 재건축이 아닌 천천히 공간을 되살리는 &lsquo;돌봄(Duu Lae)&rsquo;의 과정에 가깝다.&nbsp;오데르의 뒤를 이어 꼬라크릿 아루나논드차이는 잿가루로 바닥을 덮고, 사운드와 조명을 이용해 죽음과 재생의 서사를 펼쳤다. 오노 요코는 1층 전체를 광장처럼 확장해 사람들이 치유와 돌봄을 체험하는 참여 중심의 전시를 선보였으며, 에마 매코믹 굿하트는 차이나타운의 네온사인에서 영감을 받아 세 층을 가로지르는 빛의 설치로 건물 내부를 물들였다.</p>
<p data-start="1041" data-end="1249">이후에도 다양한 전시들이 같은 흐름 속에서 이어지고 있다. 한 전시씩, 한 공간씩 &lsquo;길들여지며(Domesticating)&rsquo; 건물이 서서히 생기를 되찾는 것이다. 불에 그을린 벽은 작가의 손을 거치며 색과 질감을 얻고, 비어 있던 공간에는 빛과 소리, 사람의 움직임이 스며든다. 그 안에서 도시의 균열, 공동체의 상실, 시간의 단절은 천천히 &lsquo;치유(Healing)&rsquo;된다.&nbsp;이 실험을 이끄는 이는 컬렉터 마리사 체아라바논과 건축가 겸 큐레이터 스테파노 라볼리 판세라다. 아시아가 현대미술의 새로운 중심이 될 수 있다고 믿는 체아라바논과 건축과 예술이 서로를 변화시키는 관계를 실험하고자 한 판세라. 두 사람은 2022년 타이 아트 이니셔티브(Thai Art Initiative)를 출범시켰으며, 그 연장선에서 방콕 쿤스트할레를 설립해 프로젝트를 구체화했다.</p>
<p data-start="1469" data-end="1624" data-is-last-node="" data-is-only-node="">이제 건물은 더 이상 폐허로 머물러 있지 않다. 전시를 거듭할수록 새로운 층위가 더해지고, 수십 년간 멈춰 있던 시간은 다시 흐르는 중이다. 방콕 쿤스트할레는 재의 기억 위에서 전시와 함께 확장되어가는 건축 프로젝트로서 동남아시아 예술계의 흐름 속에서 하나의 분기점처럼 읽힌다.</p>
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<p data-start="0" data-end="239">방콕에서 북동쪽으로 약 세 시간 거리, 카오야이의 숲 한가운데서 예술은 다시 호흡을 시작한다. &lsquo;자연을 치유하는 일은 곧 우리 자신을 치유하는 일.&rsquo; 카오야이 아트 포레스트(Khao Yai Art Forest, KYAF)는 이 문장을 현실로 옮겨놓은 듯한 장소다. 아트 포레스트라는 이름 그대로 이곳은 예술과 자연이 분리되지 않는 상태를 실험한다. 조각 공원을 넘어 자연 속에서 예술이 함께 존재하는 방식을 탐구하는 것이다.</p>
<p data-start="241" data-end="483">타이 아트 이니셔티브의 흐름 속에서 등장한 KYAF는 방콕 쿤스트할레에서 제시한 &lsquo;치유&rsquo;와 &lsquo;회복&rsquo;의 개념을 자연으로 확장한다. 이들은 예술을 상처 입은 환경을 치유하는 실천이자, 인간과 자연이 서로의 리듬을 다시 조율하는 과정으로 바라본다. 협업, 참여, 자연 존중, 마음 챙김, 개방성, 실험성 총 여섯 가지 가치가 운영 방식이자 미학적 기준으로 작동하며, 전시와 리서치, 워크숍, 심포지엄, 퍼블릭 프로그램 등으로 이어진다.&nbsp;이 과정에서 예술가와 연구자들이 한자리에 모이고, 세대와 전공을 가로지르는 교류 속에서 예술은 점차 &lsquo;숲의 언어&rsquo;에 가까워진다. KYAF에서 자연은 배경으로 물러나 있지 않다. 85만 제곱미터에 이르는 부지와 평지, 구릉, 산악을 아우르는 지형이 각 작품의 일부로 작동하는 가운데, 아츠시 기타가와라 건축사무소(Atsushi Kitagawara Architects)가 숲의 흐름을 해치지 않는 선에서 작품이 자리할 조건을 설계했다.</p>
<p data-start="730" data-end="905">이곳의 작품들은 모두 &lsquo;시간과 자연이 함께 완성하는 예술&rsquo;로 연결된다. 그 중심에 선 것은 안개의 조각가 후지코 나카야의 &lsquo;Khao Yai Fog Forest&rsquo;다. 하루 세 번, 대기의 수분을 정수해 만들어지는 안개가 숲을 감싸면 방문객은 빛과 물, 공기의 경계 속에서 자연의 움직임을 온몸으로 느낄 수 있다.&nbsp;루이스 부르주아의 &lsquo;Maman&rsquo;은 그 안에서 또 하나의 존재로 숨 쉰다. 모성과 보호의 상징인 거대한 거미는 숲의 생명력과 맞닿아 부드럽지만 단단한 기운을 전한다. 우밧삿은 카오야이의 흙으로 만든 스투파 조각 &lsquo;Pilgrimage to Eternity&rsquo;를 숲에 남겼다. 조각 위로 비와 바람, 식물이 지나가며 변화하는 과정이 작품의 일부다. 시간과 자연이 개입하는 이 구조에서 예술은 작가의 통제를 점차 벗어난다.&nbsp;이 외에도 한 달에 한 번 문을 열어 예술과 일상이 맞닿는 순간을 만드는 엘름그린 &amp; 드라그셋의 &lsquo;K-BAR&rsquo;, 지질학적 시간과 인간의 시간이 교차하는 명상의 지점을 그린 리처드 롱의 &lsquo;Madrid Circle&rsquo;, 신성의 본질을 돌로 표현한 프란체스코 아레나의 &lsquo;GOD&rsquo;까지, 이곳의 예술은 각기 다른 방식으로 비개입의 미학을 실천하며 자연과 공존한다.</p>
<p data-start="1343" data-end="1455" data-is-last-node="" data-is-only-node="">자연의 일부로 존재하는 예술, 그리고 회복과 공존의 언어로 그 예술을 품은 공간 카오야이 아트 포레스트. 태국의 동시대 예술은 지금 이 숲에서 조금 느리지만 확실하게 그다음 단계를 향해 자라나고 있다.</p>

<p data-start="0" data-end="179">2016년 방콕 라차담리 로드의 상업지구에 문을 연 노바 컨템퍼러리는 태국 미술의 한 흐름을 형성해온 공간이다. 이들은 국제 미술계와의 활발한 교류를 바탕으로 도심 속 화이트 큐브에서 동시대적 감각과 지역적 담론을 병치하는 실험적 전시를 꾸준히 선보이며, 태국의 젊은 작가와 컬렉터 세대를 잇는 플랫폼으로 자리해왔다.</p>
<p data-start="181" data-end="405">최근 노바는 라차담리의 중심을 떠나 방락 시프라야 로드로 향했다. 창립자 수티마 수차리타쿨은 이번 이전을 &ldquo;더 야심 찬 프로젝트를 실현하고, 성장하는 컬렉터 베이스와 깊이 소통하기 위한 진화의 과정&rdquo;이라 설명한다. 과거 외교와 무역의 중심지였던 이 지역은 오늘날 대학과 문화 기관이 공존하는 예술적 교차로로 변모하고 있으며, 노바는 이 다층적 맥락 속에서 갤러리 공간의 개념을 다시 쓰려는 것이다.&nbsp;화이트 큐브를 넘어 도시의 서사와 호흡하는 사유의 장으로. 2025년 봄 새로 문을 연 플래그십 갤러리는 오래된 콘크리트 숍하우스를 개조한 5층 규모의 건물로, 도시의 질감과 시간의 흔적을 그대로 품고 있다. 건축을 맡은 스칸 차이야왓 아키텍츠(Skarn Chaiyawat Architects)는 기존 구조를 유지한 채 최소한의 개입으로 수직적 동선 속에서 여러 경험이 축적되는 공간을 구현했다. 관람객은 층을 오르내리며 전시를 &lsquo;보는 것&rsquo;을 넘어 과거와 현재, 개인과 사회가 교차하는 감각을 체험하게 된다.</p>
<p data-start="695" data-end="827">리뉴얼 이후 노바의 전시는 하나의 공통된 태도를 공유한다. 명확한 메시지를 제시하거나 하나의 해석으로 수렴되기보다 저마다의 감각과 속도로 전시를 경험하도록 여지를 남기는 것이다. 이러한 태도는 전시 사례들 속에서 구체적으로 드러난다.&nbsp;여러 세대의 태국 및 동남아시아 작가들이 참여한 개관전 &lt;Affinities&gt;에서는 &lsquo;친족성(Kinship)&rsquo;이라는 느슨한 개념 아래 개인의 기억과 공동체의 감각을 교차하며, 갤러리의 새 공간이 전시장 이상의 관계적 장이 될 수 있음을 보여줬다. 이어진 인손 웡삼(Inson Wongsam)의 개인전 &lt;Tailwind&gt;는 조각과 여행 기록, 아카이브 등을 통해 태국 모더니즘의 시간을 되짚으면서도, 역사적 평가를 단정하지 않고 한 예술가의 궤적을 따라가는 사유의 리듬을 택했다.&nbsp;최근 선보인 회화 중심의 전시들 역시 단일한 서사를 구축하는 대신, 불완전한 기억의 감각, 반복되는 빛과 어긋난 시선을 통해 관람객 각자의 해석이 형성되는 과정을 열어뒀다. 이처럼 노바는 화이트 큐브를 중립적인 배경으로 유지하기보다 감정과 기억, 시간의 층위가 스며드는 공간으로 전환한다. 완결된 의미를 제시하지 않는 전시 안에서 관람객은 방향을 잃거나 반복되는 감각을 따라가게 되는데, 그 여백이 바로 노바가 구축하는 전시의 조건이다.</p>
<p data-start="1348" data-end="1511" data-is-last-node="" data-is-only-node="">라차담리에서 방락으로의 이동은 결국 주소의 변화가 아니라 존재 방식의 전환에 가깝다. 노바 컨템퍼러리는 이제 무엇을 보여줄 것인가라는 질문에서 벗어나 어떤 경험을 가능하게 할 것인가에 더 가까이 다가선다. 그리고 하나의 해답을 제시하기보다 잠시 멈추고 충분히 흔들릴 수 있는 여백으로 남는다.</p>

<p style="text-align: center;"><em><strong>Writer Son Hyun Ji</strong></em></p>

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