속이 빈 석고상, &nbsp;신체가 머물렀던 공간을 묘사하며 자신만의 방법으로 존재에 대한 이유를 찾아가는 예술가, 안토니 곰리의 작품에 대한 탐구와 전시 소식.

&lsquo;존재란 무엇인가?&rsquo; 모든 철학자와 신학자, 과학자와 예술가에게 이 질문은 평생을 함께하는 주제일 것이다. &lsquo;신&rsquo;에서부터 &lsquo;인간의 이성&rsquo;에 이르기까지 수많은 이가 이 근원적 질문에 대한 저마다의 답을 내어놓고 있는 가운데, 자신만의 철학적이고 보편적인 방식으로 답을 찾아가는 예술가가 있다. 바로 안토니 곰리다.&nbsp; 자연 그리고 우주와의 관계 속에서 인간은 어디에 존재하는가에 대한 근본적 질문. 이에 직면하는 안토니 곰리의 작품은 신체에서 출발한다. 1974년 곰리는 인도 여행에서 마주한 사람들의 모습에서 영감을 얻어 첫 석고 작업물 &lt;수면 공간(Sleeping Place)&gt;을 제작했다. 얇은 사리나 도티 한 장만을 몸에 두른 채 기차역과 거리 등 공공장소에서 잠든 사람들의 모습은 바닥에 웅크린 친구들의 몸에 석고를 적신 시트를 씌워 성형한 후 시트를 제거하는 작업으로 재구성됐고, 태아 자세의 인간 형태를 연상시키는 추상적이면서도 구체적인 조각은 속이 비어 있음에도 신체의 현존을 암시하는 방식으로 사람이 거처를 마련하는데 필요한 최소한의 공간을 묘사했다. 이후 &lt;방(Room)&gt;(1980)과 &lt;침대(Bed)&gt;(1980~1981) 등의 작품으로 신체 혹은 신체가 머물렀던 공간을 묘사해 삶을 은유하는 표현을 지속하며 곰리는 보다 본격적으로 자신의 몸을 작품에 통합한다. 곰리는 자기 자신의 신체를 캐스팅했다. 자화상의 개념이 아닌 보편적인 모든 사람의 상징으로 자신의 신체를 사용한 것이다. &lt;세 가지 방법: 금형 구멍과 통로(Three Ways: Mould Hole And Passage)&gt; 1981~1982)는 &lt;보디케이스(Bodycase)&gt;라 불리는 시리즈의 첫 작품들이다. 곰리는 자신의 몸을 석고 붕대로 캐스팅하고 금속 재질로 감싸 단순화한 조각에 구멍을 뚫는 방식으로 신체를 변화의 공간으로 조명했다. 굳어가는 석고 안에서 작가가 보낸 인고의 시간과 에너지를 고스란히 담으면서도 작가 개인의 특이성을 제거해 보편화하며 표현과 소통의 가능성을 확장한 이 작업 방식은 &lt;고원(Plateau)&gt;(1985~1986)과 &lt;다이어프램(Diaphragm)&gt;(1995) 등으로 이어져 자연의 구성 요소, 시간의 흐름, 사람의 활동 등을 연상시키는 형태로 다변화한다. 또 신체를 정신이 담기는 용기이자 오감을 통해 세상과 연결되는 매개임과 동시에 경험의 장소이고 사건이 일어나는 과정으로 재인식하게 만든다.&nbsp; 곰리는 신체를 물질적 신체에서 분리하고자 피부의 경계를 벗어나 확장하고 재구성하는 표현 방식을 취하기에 이른다. 금속 막대로 신체를 형상화한 다면적 매트릭스인 &lt;도메인(Domains)&gt;(1999~2003) 시리즈, 매트릭스를 외부 공간으로 더 넓게 잇는 &lt;콴텀 클라우드(Quantum Clouds)&gt;(1999~2009) 시리즈, 신체를 대신해 그를 둘러싼 에너지의 장을 묘사한 &lt;콴텀 보이드(Quantum Void)&gt;(2008~2010) 시리즈 등이 그것으로, 내&middot;외부의 구분을 모호하게 만들며 빛과 공간에 노출시키는 피부의 불확정성은 적극적인 투영과 발견을 일으킨다. 이 외에도 곰리는 신체를 사면체, 육면체, 십이면체 혹은 더 복잡한 다면체의 열린 구조물로 바꾸고 블록이나 프레임, 튜브 등 다양한 형태를 활용하는 방식으로 신체와 공간의 관계를 탐구했다.&nbsp;

수만 개의 인물상 조각을 통해 인간의 사회적 존재 방식을 재조명
작품을 현상학적 또는 심리적, 공간적 경험의 출발점으로 사용하는 곰리에게 참여는 중요한 요소이며, 이러한 그의 사고와 태도는 공공 미술의 새로운 개념이 되기도 했다. 공동의 관심사와 참여를 반영해 작품이 완성되는 과정 모두가 작품의 일부가 될 수 있다는 것이다. 대표적인 사례가 &lt;북방의 천사(Angel of the North)&gt;(1998)다. 이는 기념비적 크기뿐만 아니라 지역민과의 소통을 통해 참여와 합의를 도출한 끝에 작품을 완성하고, 잊혀가던 탄광 도시가 세계적 문화 관광의 도시로 변모하기까지의 모든 과정 때문에 대표작으로 거론된다. 참여 요소를 조명하자면 &lt;필드(Field)&gt; 연작도 빼놓을 수 없다. 현지인이 능동적인 제작자로서 곰리의 설명에 따라 작품의 일부가 되어 인체 형상을 만드는 프로젝트로 유럽, 미국, 호주, 중국 등 여러 나라에서 진행됐다. 이 프로젝트는 수많은 사람이 점토로 인물상을 빚어내며 경험을 공유하는 일시적 공동체를 형성했고, 수만 개의 조각이 설치된 공간은 관람객에게 개인과 공동체, 그리고 사회적 존재로서의 자신에 대해 고찰할 수 있는 기회를 제공했다. 곰리는 관람객이 정적이고 침묵적인 조각을 직면하며 자기 자신을 투영하는 경험을 극대화하기 위해 다양하게 배치된 작품 사이 또는 작품 속을 적극적으로 거닐게 할 뿐만 아니라 도시 한복판이나 바닷가 등 미술관 밖의 여러 장소에 작품을 설치했다. 작품은 공간과 공간에 속한 관람객에 의해 맥락화되며 다양한 해석 가능성을 지니게 되고, 관람객은 조각에서 공간으로 시선을 확장해감에 따라 실존적 자기 성찰은 물론 작품이 놓인 공간의 의미와 공간에 얽힌 집단의 역사를 되돌아보는 경험까지 하게 된다.&nbsp;

이러한 안토니 곰리의 작품을 직접 만나볼 수 있는 기회가 있다. 태그 미술관(TAG Art Museum, 西海美术馆)에서 오는 12월 10일까지 진행되는 &lt;살아 있는 시간(Living Time)&gt; 전시는 미술관의 두 공간인 4번 홀과 5번 홀에서 40여 년에 걸친 곰리의 작품 세계를 아우르며 그의 메시지를 전한다. 4번 홀에서는 초기 &lt;보디케이스&gt; 시리즈의 대표작인 &lt;고원&gt;과 &lt;다이어프램&gt;부터 블록으로 물리적 픽셀을 만든 &lt;집중 I(Concentrate I)&gt;(2003), 금속 막대를 이용해 신체를 최소한의 정보로 축소한 &lt;민 III(Mean III)&gt;(2016), 거석 구조물에서 영감을 얻어 인체를 위태롭게 표현하는 &lt;턱 II(Tuck II)&gt;(2018) 등 35점의 작품을 선보인다. 또한 제작 연도에 관계없이 작품을 나열하는 방식으로 관람객이 작품 사이에 자신만의 연결 고리를 형성할 수 있게 하는 동시에, 흐트러짐 없는 격자 형태로 작품이 자리한 폐쇄적 공간은 도시와 디지털 시대를 연상케 한다. 5번 홀에서는 사뭇 다른 분위기의 전시가 이어진다. 피부의 경계를 재구성하려는 &lt;확장 작품(Expansion Works)&gt;(1990~1994) 시리즈의 &lt;신체(Body)&gt;(1991~1993), &lt;과일(Fruit)&gt;(1991~1992), &lt;지구(Earth)&gt;(1991~1993), &lt;마지막 결과물(End Product)&gt;(1990~1993)이 전시되는데, 곰리는 이 작품들을 피부 표면을 바깥쪽으로 밀어내어 확장한다는 의미의 &lsquo;내포된 폭발(Contained explosions)&rsquo;이라고도 표현했다. 태아처럼 웅크린 형상이나 자유롭게 낙하하는 모습 등 다양한 자세에서 파생된 4점의 작품은 피부 표면을 규칙적으로 확장하고 연결시키는 방식을 거쳐 신체의 형태보다는 원시적 세포나 과일, 채소에 가까운 모양새를 가지고 있다. 정적이면서도 부풀어 오르고 있는 듯 역동적인 작품은 관람객의 상상력을 불러일으키고, 자유롭게 땅에 놓이거나 공중에 떠 있는 채 공간에 생기를 불어넣으며 자연의 세계를 사유하게 한다.&nbsp; 안토니 곰리는 우리가 점점 더 구축된 환경에 의해 맥락화되고 있으며, &ldquo;우리가 세상을 만들지만, 그다음에는 세상이 우리를 만들 것이다&rdquo;라는 옛말이 어느 때보다 진실하다고 말한다. 이것이 바로 그가 상반된 분위기의 두 공간을 만든 이유일 것이다. 온전히 몰입해 질문하고, 사유하고, 고찰하는 시간이 필요한 요즘이다. 안토니 곰리의 작품이 당신에게도 그 소중한 시간을 선사하길 바란다.&nbsp;
photographs HUANG SHAOLI 黄少丽/TAG ART MUSEUM

격자 형태로 곰리의 작품이 자리한 폐쇄적 전시 공간이 도시와 디지털 시대를 연상케 한다.  ‘Living Time’, TAG Art Museum, Qingdao, China, 2023. Installation View, Hall 4.  photograph by Huang Shaoli 黄少丽/TAG Art Museum.

존재를 사유하는 예술가, 안토니 곰리

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