르네상스의 한가운데, 퍼포먼스 아티스트 마리나아브라 모비치의 전시&lt;Transforming Energy&gt;<transforming energy="">가 열린다.&nbsp;</transforming>

<transforming energy="">이번 전시는 베니스의 아카데미아 미술관이 현존 여성 작가에게 처음으로 헌정하는 대규모 개인전으로 </transforming>&lsquo;Transitory Objects&rsquo;를 비롯한 설치 작업과 그의 퍼포먼스 기록이 고전 명작과 나란히 놓이며, 서로 다른 시간과 신체의 감각이 한 공간에서 교차한다.

몸이 사건이 되는 순간
200년이 넘는 역사 동안 단 한 번도 없었다. 티치아노 베첼리오, 틴토레토, 파올로 베로네세의 작품이 걸린 베네치아 르네상스 회화의 성소, 아카데미아 미술관이 현존 여성 작가에게 대규모 개인전을 헌정한 적은. 5월, 마리나 아브라모비치의 전시 &lt;Transforming Energy&gt;가 그 자리를 차지한다. 전시는 상설 컬렉션 갤러리와 기획 전시 공간 전반에 걸쳐 펼쳐지는데, 이 역시 기관 역사상 처음이다. 조건만 보면 하나의 기념처럼 읽힌다. 그러나 이번 전시는 그렇게 단순하게 정리되지 않는다.
아브라모비치는 기존의 예술가 문법으로는 쉽게 설명되지 않는 작가다. 그는 스스로를 퍼포먼스 아티스트로 규정하면서도 그 범주를 고정된 형식으로 두지 않고 꾸준히 확장해왔다. 1974년 작업 &lsquo;Rhythm 0&rsquo;에서 그 윤곽이 분명하게 드러난다. 아브라모비치는 나폴리의 한 갤러리에서 여섯 시간 동안 서 있었다. 곁의 테이블에는 장미, 립스틱, 칼, 총을 포함한 72개의 물건이 놓였고, 관람객은 그것을 골라 작가의 몸에 사용할 수 있었다. 누군가는 꽃을 건넸고, 누군가는 상처를 남겼다. 작품은 캔버스도, 오브제도 아니었다. 상황 자체가 작품이었고, 작가의 신체가 그 중심을 이뤘다.
1977년 작 &lsquo;Imponderabilia&rsquo;에서는 상황이 더 단순해진다. 아브라모비치와 퍼포먼스 아티스트 울라이가 전시장 입구에 나란히 서 있었다. 둘 사이의 간격은 사람 하나가 겨우 통과할 정도. 관람객은 두 사람 사이를 비집고 들어가야만 전시장에 입장할 수 있었다. 이후 작업들 역시 같은 축 위에서 이어진다. 피 묻은 소뼈를 씻으며 전쟁과 폭력의 기억을 호출했고, 해골의 형상을 겹쳐 죽음을 다뤘으며, 만리장성의 양 끝에서 걸어와 사랑을 끝냈다. 방식은 달라도 중심은 하나다. 몸이 표현 수단을 넘어 사건이 발생하는 장소가 된다는 점이다. 이처럼 아브라모비치의 작업은 한 방향으로 정리되지 않는다. 극한의 작업 곁에는 지속과 체류에 기반한 작업이 함께 존재했다. &lsquo;Nightsea Crossing&rsquo;에서 아브라모비치는 울라이와 서로 마주 앉은 채 몇 시간 동안 움직이지 않았다. 사건은 거의 일어나지 않았고, 시간이 그 자리를 채웠다.

머무르는 몸, 겹쳐지는 시간
이번 &lt;Transforming Energy&gt; 전시에서 극한과 체류, 두 축은 다른 방식으로 호출된다. 전시장 곳곳에는 돌로 이루어진 침대와 의자, 프레임 구조물이 배치되고, 그 표면에는 수정이 삽입되어 있다. 아브라모비치가 &lsquo;Transitory Objects&rsquo;라 부르는 이 오브제는 새로운 형식이 아니라 오래 이어져온 구조다. 변화는 그것이 놓이는 맥락에서 발생한다. 르네상스 회화가 자리해온 갤러리에 이 오브제가 들어오면서 관람객의 몸은 더 이상 이미지를 바라보는 위치에만 머물지 않는다. 대신 같은 공간 안에서 다른 시간을 경험하게 된다.&nbsp;관람객은 &lsquo;Transitory Objects&rsquo;에 눕거나 앉거나 혹은 선 채로 머문다. 몇 초, 몇 분, 때로는 그 이상 아무 일도 일어나지 않는 시간이 길어지며, 그 안에서 몸의 상태가 서서히 드러난다. 긴장과 이완, 혹은 불편함이 표면으로 떠오르는 것이다. 전시는 이러한 경험에 영상과 이미지, 다양한 기록의 형태로 아브라모비치의 과거 작업을 병치한다. 하나는 지금 지속되는 시간이고, 다른 하나는 이미 지나 고정된 시간이다. 서로 다른 두 시간은 분리되지 않은 채 한 자리에 포개진다.
이 모든 흐름은 그 겹침이 하나의 이미지로 응축되는 지점에서 가장 또렷해진다. 아브라모비치의 &lsquo;Piet&agrave; (with Ulay)&rsquo;(1983)와 베첼리오의 &lsquo;Piet&agrave;&rsquo;(c. 1575-76)가 같은 공간에 놓인다. 베첼리오의 &lsquo;Piet&agrave;&rsquo;는 그가 완성하지 못한 채 세상을 떠났던 마지막 작품으로, 제자 팔마 조바네가 나머지를 마무리해 지금은 아카데미아 미술관의 상설 컬렉션에 포함되어 있다.&nbsp;캔버스 안에는 십자가에서 내려진 그리스도의 몸을 안은 성모 마리아가 있다. 죽음을 앞둔 화가는 죽음 앞에서 몸이 몸을 받아 안는 장면을 그렸다. 아브라모비치의 &lsquo;Piet&agrave; (with Ulay)&rsquo;는 사진이다. 붉은 드레스를 입은 작가가 울라이의 몸을 무릎 위에 안고 있다. 베첼리오와 같은 도상을 공유하는 것이다. 이 사진이 찍힌 건 1983년, 두 사람이 아직 연인이던 시절이다. 이후 그들은 이별했고, 울라이는 2020년 세상을 떠났다.&nbsp;작품 안에는 그 모든 시간이 보인다. 베첼리오가 물감으로 다룬 몸과 아브라모비치가 실제 관계 안에서 붙든 몸. 르네상스 회화가 신화와 종교의 언어로 형상화했던 장면과 특정한 삶의 시간에서 나온 이미지가 나란히 놓인다. 약 400년의 간격이 한 시야 안으로 수렴되는 순간이다.
이 두 작품의 병치는 단순한 대비가 아니다. 미술관은 이 작업을 별도의 전시 공간에 두지 않는다. 베첼리오의 작품이 걸린 상설 컬렉션 갤러리로 끌어들인다. 과거는 배경으로 물러나지 않고, 현재 역시 독립된 영역을 요구하지 않는다. 두 조건은 같은 공간에서 마주하며 하나의 맥락을 이룬다.&nbsp;마리오 메르츠, 필립 거스턴, 게오르크 바젤리츠 등 이전에 이 공간과 관계 맺어온 이름을 떠올리면 그 의미는 더 분명해진다. 아카데미아 미술관은 비엔날레와 함께 동시대 작가들을 이곳에 접속시켜왔고, 아브라모비치는 그 연장선 위에 자리한다.&nbsp;중요한 것은 이 전시가 &lsquo;최초&rsquo;라는 사실이 아니라 어디에 놓였는가이다. 10월 19일까지 이어지는 전시 &lt;Transforming Energy&gt;는 외형만 보면 기념의 형식을 띤다. 최초의 현존 여성 작가 전시, 그의 80번째 생일, 르네상스 정전과의 병치. 마치 한 작가의 긴 생애를 마무리하는 장면처럼 보이기도 한다. 그러나 전시장 안에서 관람객이 마주하는 것은 회고가 아닌 머무르는 시간이다.
아브라모비치의 작업에서 신체는 반복적으로 호출되는 조건이다. 50년 넘게 자신의 신체를 매체로 써온 작가는 이번에 관람객의 몸을 전시의 중심에 위치시킨다. 관람객의 몸은 르네상스 회화가 걸린 맥락 안으로 들어온다. 구조물에서의 시간이 길어질수록 몸이 먼저 말을 건다. 몸이 있는 자리, 그 위에서 이어지는 지속, 그리고 서로 다른 시대의 이미지가 동시에 존재하는 상황. 관람객은 그것을 이해하기보다 그 안에 머무는 쪽으로 기울게 된다.

Writer Son Hyun Ji

Where Time Becomes Body

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